LOUVRE DE BD.

Seguimos con museos.

Si hace poco comentaba la noticia que hablaba de la creación de un futuro Museo del Cómic en Barcelona, hoy me he enterado a través de la estupenda revista on-line sobre historieta "Tebeosfera", de que nada menos que el "Louvre", considerado uno de los más importantes del mundo, va a dar entrada en sus salas al cómic.
La citada revista nos enlaza en su sección de noticias con el link: http://www.graphivore.be/news.php?idnews=1829, correspondiente a la página francesa dedicada a la Bande Desinnée del mismo nombre, y en la nota (por supuesto en francés) reseñan la exposición temporal que desde el 22 de enero al 13 de abril el museo parisino dedica al 9º Arte. Para ser más exactos, la muestra consiste en varios retratos de la "MonaLisa" revisitados/reinventados por prestigiosos dibujantes como Yslaire, De Crécy o Mathieu.
Una interesante iniciativa que esperemos se apresuren a copiar, en el buen sentido, por estos lares.

DREAMS S/M.

Bye.

... Y EL TEBEO ESPAÑOL TAMBIÉN.

De Guatemala a Guatepeor. Leo en "La carcel de papel" que el pasado jueves falleció Roberto Segura, insigne dibujante de la época de esplendor de Bruguera. De trazo nervioso y sencillo, las desventuras de sus personajes "Rigoberto Picaporte, solterón de mucho porte", "Los señores de Alcorcón y el holgazán de Pepón" o "Rebollez y señora" en las páginas de revistas como "Tio Vivo", "Pulgarcito" o "Mortadelo" formaron parte de mi infancia y temprano despertar al fantástico mundo de los tebeos.

Un completísimo artículo sobre sobre su obra en el blog de "Lady Filstrup":

http://ladyfilstrup.blogspot.com/2006/11/catstrofe-segura.html

LA BANDE DESSINÉE DE LUTO.

Me he enterado un poco tarde, pero no quería dejar de rendir homenaje al genial dibujante y guionista francés Gerard Lauzier, que fallecía el sábado pasado a los 76 años dejando atrás una interesantísima obra. Su serie "Cosas de la Vida" (compuesta por cuatro álbumes) es su aportación más destacada al mundo del cómic y en ella disecciona, con un humor que roza la crueldad, a la burguesía francesa de finales de los 80 y principios de los 90. Su extraordinaria capacidad para la sátira social se vería también reflejada en su última obra en formato de historieta "Retrato del artista", que publicó en el año 1992. Como reconocimiento a ese espíritu crítico y a su carrera como dibujante fue galardonado con el Gran Premio del Salón de Angoulême de 1994. En los últimos años se ha dedicado el teatro y al cine ("Mi padre, ese héroe").

Un sentido adiós.

UNA DEL OESTE.

Parece que ultimamente estamos asistiendo a la resurrección del Western como género a tener en cuenta. Este año dos producciones parecen haber recuperado el lustre que antaño tuvo: la primera ha sido "El tren de las 3:10" (en realidad se ha estrenado con un retraso de más de un año en nuestro país), de James Mangold, donde unos acertados Christian Bale y Rusell Crowe asumen y reinventan los papeles de Van Heflin y Glenn Ford en el film de Delmer Daves. La segunda es "Appaloosa", dirigida por Ed Harris, produccion del año 2008 de la que me ocuparé en estas líneas.
Harris es un estupendo actor que debutó en la dirección hace bien poco. Lo cierto es que la crítica puso a caer de un burro su biopic del pintor Jackson Pollock estrenado en el año 2000 (me abstendré de hacer comentarios puesto que no la he visto). Ocho años después, se pone de nuevo tras la cámara para contarnos una historia absolutamente diferente. Enmarcada en ese período de la historia norteamericana tan reconocible, el de los hombres a caballo con sombrero y revólver al cinto, debo reconocer que no veía unas maneras tan clásicas desde "Sin Perdón".
Es "Appaloosa" una película con una fuerte base literaria y eso se nota. Basada en una novela de Robert B. Parker (que desconozco), la historia nos presenta a dos personajes principales cuya idiosincrasia nos recuerda a arquetipos mil veces vistos en otros films. Los pacificadores o marshalls federales, que vagaban de un pueblo a otro para imponer la ley, aparecen en este caso en el pueblo que da nombre a la película para sustituir al anterior, que ha sido asesinado por un terrateniente. Precisamente ese crimen y su artífice, interpretado por Jeremy Irons, son el punto de partida y el motivo en torno al cual gira toda la película. Bueno, eso y el poderoso influjo que los mohines de Renée Zellweger (probablemente en la peor actuación de su carrera), ejercen sobre el durísimo tipo que encarna el actor-director de esta historia, el agente de la ley Virgil Cole. Porqué si Everett Hitch, interpretado por Mortensen, es el fiel amigo, ayudante, corrector lingüístico (quien vea la peli entenderá el por qué) y conciencia de Cole, la mujer que se interpone en esta historia de amistad a la vieja usanza entre estos dos hombres es, sin lugar a dudas, el desencadenante del curso que toman los acontecimientos y del final en que desembocarán también. Esa amistad, con claras reminiscencias al cine de Hawks e incluso al de Peckinpah, es el sustrato que conforma la esencia de los dos héroes, cuyo destino parece irremediablemente unido precisamente hasta su llegada al lugar donde transcurren los hechos.
El protagonista de "El show de Truman" nos explica todo este entramado a través de unos diálogos incisivos (en los títulos aparece acreditado como co-guionista), en ocasiones brillantes. Recurre a una planificación sosegada, con abundancia de planos secuencia y momentos en que la cámara se queda fija, como escuchando a los actores. Porqué este es un film de actores, lo cual no quiere decir que renuncie a la acción y a los tiros, como en toda buen peli del Oeste. Es sólo que los tiroteos, las persecuciones y los muertos aparecen convenientemente dosificados, en puntuales estallidos de una violencia seca. Y esa escenas de acción tan deliveradamente sobrias nos recuerdan precisamente ese tono de contención que el director ha querido dar a todo el film, valorando por encima de la espectacularidad la compleja telaraña de relaciones que se establece entre todos los personajes.
Es ésta pues una buena muestra de que las películas del Far West a la vieja usanza siguen funcionando siempre y cuando se hagan, como en este caso, desde el respeto a un género que desde luego ha pasado por momentos mejores.

ODIO A LO JUDÍO.

Curiosa coincidencia la de esta semana. Este lunes pasado emitían por la 2 de TVE la aproximación de Costa Gavras al Holocausto judío, a través de los ojos de la Iglesia Católica, con su film "Amén". La película me pareció valiente, muy en la línea de cine político del director griego y nos muestra, con unos adecuados toques de trhiller, la inacción y falta de compromiso de la jerarquía de la Iglesia, incluyendo al propio Papa, ante las masacres de los Campos de Concentración. Y vamos a lo de la coincidencia, porqué justo ayer leía "Judenhass", la última obra del guionista-dibujante Dave Sim, cuyo significado literal en alemán es, como reza el título del post, odio a lo judío.

El creador de "Cerebus" (aún inédita en España) nos presenta un mosaico de viñetas con base fotográfica en su sentido más literal con un estilo, según sus propias palabras, cercano a los dibujantes clásicos norteamericanos de los años 40 y 50 como Alex Raymond o John Prentice. La narración se desprende de un desarrollo argumental al uso y se descompone en ocasiones en múltiples viñetas-detalle, prescindiendo de los bocadillos y utilizando únicamente textos de apoyo para acompañar las imágenes. Éstas nos muestran las macabras escenas de las instántaneas de los Campos por todos conocidas y, paralelamente, se intercalan declaraciones de personajes de la literatura, la política o la religión y sus correspondientes representaciones, que a lo largo de la historia declararon su intisemitismo y la necesidad de erradicar o frenar la expansión de esta etnia.
A medio camino entre el texto ilustrado y el lenguaje de la historieta, el experiemento de Sim se mueve en un discurso entre ambigüo (cualidad que acompaña a toda su polémica carrera como autor independiente) y reivindicativo. Parece su intención presentarnos al pueblo de Israel como víctima eterna, como el pueblo odiado por todos los demás pueblos. Sin embargo, su visión desde el punto de vista gentil, parece al final dejarnos la contradictoria sensación de que algo de culpa deben de tener. Y quizás en parte esa sensación venga motivada por la declaración de intenciones inicial. Sim sostiene la teoría de que todos los antencedentes históricos conducían indefectiblemente al Holocausto, y que Hitler fue tan sólo el canalizador y ejecutor de un pensamiento generalizado entre la intelectualidad de la sociedad occidental (aunque también menciona a los musulmanes) durante siglos.
Una lectura recomendable, no obstante, aunque a años luz del "Maus" de Spiegelman que sigue siendo a fecha de hoy, para el que suscribe, la aproximación más honesta que se haya hecho en cualquier medio sobre el tema.

YOUTUBISMO LOCO.

No se porqué pero me ha dado por recordar esa joya del Exploit que en 1978 el señor Kinji Fukasaku (respetado renovador del género "Yakuza") se sacó de la manga, al socaire del éxito del film de George Lucas, con el título de "Invasores del Espacio". Debo estar en plan nostálgico. El caso es que la vi de ¡ESTRENO! en plena fiebre galáctica y entonces me impactó muchísimo (claro que en aquella época tenía la tierna edad que tenía). Fisgoneando por la red descubrí que esta disparatada coproducción estaba protagonizada, entre otros, por mi adorado Sonny Chiba y eso es más que suficiente para enchufar su descojonante trailer.

A disfrutarlo.

UN GOYA PARA EL TÍO JESS.

¡Coño, me hacen un homenaje en España, y antes de palmarla!

La prensa se hace eco estos días de que le van conceder un goya honorífico a toda su carrera al inclasificable director de cine Jesús Franco. Y yo que me alegro, aunque la verdad es que a mi ésto de los premios de la Academia, como ya he comentado en alguna ocasión, me la trae bastante al pairo. Digo que me alegro por lo que supone de reconocimiento a la figura de uno de los outsiders de nuestra industria cinematográfica, en la que por otra parte no suelen ser muy dados a homenajes a según que tipo de creadores.
Franco es uno de los últimos realizadores libres (sinó el único) que quedan en este país. Sus comienzos con Bardem y sus películas de principios de los 60 como "Rififí en la ciudad" o "La muerte silva un blues" le granjearon las simpatías de la crítica, pero sería "Gritos en la noche" de 1962 el film que terminó por llevarlo al éxito. Con posterioridad, su experiencia como operador de Orson Welles en varias de sus películas más emblemáticas ("Campanadas a medianoche") le darían la experiencia para acometer con firmeza el rodaje varios films hasta que, en el año 67, la horror-movie "Necronomicón" y su presentación en el Festival de Berlín le volvieron a granjear el aplauso del público.
Su talante antifranquista le hizo exiliarse y a partir de los 70 multiplicó su producción, a la manera de Roger Corman, hasta llegar a rodar alrededor de 8 o 9 producciones de bajo presupuesto al año. Terror, aventuras e incluso porno formaron parte de la extensa variedad de géneros que el director madrileño produjo y dirigió durante esa década, creando films de culto instantáneo como "Las Vampiras", o una más que digna versión del "Drácula" de Stocker protagonizada por Cristopher Lee.
En los 80 y 90 el cine para adultos le proporcionó financiación para proyectos más personales como "Don Quijote de Orson Welles", montada a partir del material de la película inacabada del director norteamericano, y unos años después sería homenajeado en Nueva York, reivindicándose de este modo su larga trayectoria.
Su autobiografía, que se publicó recientemente con el título de "Memorias del Tío Jess" es un auténtico compendio de divertidas anécdotas, aventuras a lo largo de sus rodajes por todo el mundo y una declaración de amor al Jazz, la música que ama y que ha sido el leit motiv de gran parte de su obra. Porqué al fin y al cabo Jess Frank, o Lulú Laverne, o Clifford Brown, todos ellos seudónimos del mismo hombre de cine, del mismo creador de ilusiones cuyas (en muchas ocasiones) locas ideas a veces pueden crear vegüenza ajena, es de esos pocos directores que quedan ya que siguen haciendo películas con las tripas y no con la cabeza.
Y que sea por muchos años, Tío Jess.

ARRUGAS PREMIADAS.

Felicidades a mi paisano Paco Roca, flamante nuevo Premio Nacional de Cómic por su maravilloso álbum "Arrugas". Y además con doble mérito, porqué su entrañable tragicomedia sobre el Alzheimer competía nada menos que con dos maestros como Carlos Giménez ("Paracuellos") y Miguel Ángel Gallardo ("María y yo").

Todo el mundo a comprárselo.

UISSSS.

Con la nobleza hemos topado.

CARTELISMO RETRO.

Fijaos que chulada de carteles se marca el ilustrador Timothy Lim. Pelis de superhéroes actuales con un toque noir a lo años 40.






Visto en www.slashfilm.com. Más cosas de este estupendo artista en devianArt:

http://ninjaink.deviantart.com/gallery/#_featured

NUEVO MUSEO.

La noticia del día en la blogosfera comiquera. Ya veremos que sale de aquí (aunque desprende cierto tufillo nacionalista en el mal sentido, hay que darle cierto margen de confianza a la iniciativa).

La nota de prensa de FICOMIC en el acto de inauguración del Salón del Manga:

"El Conseller de Cultura anuncia que el Museo del Cómic será una realidad.

Barcelona, 30 de octubre de 2008…// En el acto de inauguración del XIV Salón del Manga, que ha tenido lugar esta mañana en La Farga (Hospitalet de Llobregat, Barcelona) Joan Manuel Tresserras, Conseller de Cultura de la Generalitat de Catalunya, ha mostrado el Plan Director del futuro Museo del Cómic de Catalunya.

Ha explicado que dicho plan ha sido elaborado a partir de un proyecto inicial de FICOMIC, que a su vez ha sido enriquecido y mejorado con la aportación de diversos especialistas y profesionales del cómic y la ilustración, además de museólogos. Todo este proceso de discusión ha sido coordinado por la empresa Artimetría bajo la supervisión de la misma Conselleria de Cultura.

Dicho plan contempla un museo que va a dar cabida a la ilustración y el cómic creado en Catalunya, así como a una selección de los mejores artistas del mundo. Así mismo ha avanzado que el próximo paso, en el 2009, es dotar de estructura jurídica al museo, al mismo tiempo que empezar a concretar su ubicación. Tresseras ha explicado que se han recibido propuestas de diversas ciudades, entre ellas una de L'Hospitalet de Llobregat, urbe que alberga el Salón del Manga.

La jornada inaugural del Salón se ha completado con la presencia de dos destacados dibujantes japoneses: Junko Mizuno, quien ha deslumbrado con su simpatía y su buen hacer artístico, y Yoshikazu Yasuhiko, un auténtico maestro del manga, quienes han tenido una apretada agenda para satisfacer a fans y periodistas. Ambos artistas han sido las primeras estrellas en venir al Salón del Manga.

El XIV Salón del Manga se celebra hasta el 2 de noviembre en La Farga de l’Hospitalet (Barcelona) y repite su formato en tres recintos conectados por un servicio de bus gratuito, el Mangabus. La Farga, que alberga exposiciones, conferencias, expositores, talleres y videojuegos; el Poliesportiu del Centre, donde tienen lugar el karaoke, actuaciones y los concursos de cosplay y el Auditori Barradas, donde se celebran las proyecciones cinematográficas."

D.E.P. GERARD DAMIANO.

El pasado sábado fallecía a los 80 años de un derrame cerebral Gerard Damiano, director de la película porno más famosa de la historia. "Garganta Profunda", protagonizada por Linda Lovelace, se rodó en una semana y costó 25.000 dólares, llegando a recaudar la friolera de 600 millones (que en su mayor parte han ido a parar a la mafia).

La película se convirtió inmediantamente en un film de culto, símbolo de la lucha por la liberación sexual en los 70. Damiano, director de una cincuentena de títulos, la mayoría de ellos dentro del género que le dio la fama, cuenta también en su haber con algunas producciones de terror de serie B. Mucho menos conocida es la que probablemente sea su mejor película, "El diablo en la Srta. Jones", donde se mezclan escenas hardcore con reflexiones sobre el suicidio, la muerte o el pecado y que, probablemente, sea el primer porno existencialista de la historia.

TEBEOS A RITMO DE ROCK.

Creo que empiezo a formar parte de la legión de seguidores incondicionales de este tipo. Paul Pope es un dibujante de historietas e ilustrador estadounidense nacido en 1972 que ha conseguido en muy poco tiempo convertirse en uno de los artistas jóvenes con más proyección internacional. Su trazo a base de pinceladas agresivas, de aspecto tirando a feísta, parece ejercer una especie de efecto hipnótico sobre el lector. Quizá su obra más redonda, que acabo de leer recientemente, sea su incursión en el universo de Batman, la estupenda "Batman Año Cien". Ciencia ficción con ecos de Philip K. Dick y George Orwell, donde parece haber tenido plena libertad para desplegar todos sus recursos narrativos al servicio de un relato detectivesco de ritmo adrenalítico.

Pero Pope lleva ya unos años consolidado en el panorama independiente yanqui. Con historias como "Escapo", donde muestra su fascinación por Houdini o el thriller futurista "Heavy Liquid", ya ha conseguido llamar la atención de las Majors. Fuertemente influenciado tanto por el cómic europeo (Moebius, Hergé) como por los clásicos americanos (sobre todo Kirby), su estilo es también heredero de las culturas del rock y del manga (trabajó en Japón varios años para la editorial Kodansha). De su experiencia en el país del sol naciente parece haber asimilado su gusto por la imagen cinética y la velocidad, que se ha convertido a la larga en una de sus señas de identidad.
Un autor al que sin duda hay que seguir la pista.

Podéis encontrar un exhaustivo artículo sobre este dibujante/guionista en este post publicado en "Con C de Arte":
http://concdearte.blogspot.com/2006/08/100-brute.html

Y aquí teneis la dirección de su blog:
http://pulphope.blogspot.com/

EL REGRESO DE "ZÉ DO CAIXÂO".

El último festival de Sitges ha premiado en su sección Midnight Extreme el film "Encarnâçao do demônio" (que fue estrenada en el festival de Venecia), tercera parte de la trilogía que iniciara en los años 60 todo un mito del cine de terror brasileño, Jose Mojica Marins. "Esta noite encarnare no teu cadaver" y "A meia-noite levarei sua alma" son probablemente las dos películas más conocidas del director carioca, y en ellas se presentaba Zé do Caixâo ( o Coffin Joe, en su versión anglosajona), un diabólico enterrador que acabaría formando parte del imaginario popular brasileño al mismo nivel que otros mitos del horror universal como Drácula o Frankenstein. Con los años, dicho personaje acabaría fundiéndose con el propio director hasta el punto de acabar vistiendo y actuando en público como él (sus uñas larguísimas y su sombrero de copa son su señas de identidad más reconocibles).
Recuerdo que conocí el cine de Mojica Marins hace más de una década, cuando un amigo con aficiones comunes me lo recomendó a raíz del visionado de sus películas en un completo ciclo que realizaron sobre él. El caso es que no recuerdo muy bien cómo (televión, videoclubs...) pero a lo largo de estos años he conseguido ver parte de su filmografía, bastante difícil de conseguir por estos lares. A parte de las dos antes mencionadas, rarezas como "Ritual dos sadicos", "O despertar da besta" o "Delirios de un anormal" entre otras, consiguieron que mi interés por la obra de este particular director aumentara. Porqué Mojica Marins es un artista que siempre ha nadado a contracorriente en su país, donde ha sido censurado, vilipendiado y ninguneado, a pesar de lo interesante de algunas de sus propuestas.
Su saga de Zé do Caixâo, a falta de ver la conclusión, nos presenta a un ser siniestro cuya única obsesión es reproducirse para buscar al hombre perfecto, al hijo del mal reencarnado. Y para ello no dudará en secuestrar, torturar o matar a cuantas mujeres sea necesario. Con estas dos películas, con las que consiguió un éxito sin precedentes en su país (donde por cierto el cine de terror siempre ha tenido una presencia escasa o nula) sentó las bases para un estilo que, con unos medios mínimos, transita entre el underground más experimental y el clasicismo de las películas de terror de la Universal. Todo ello aderezado con toques gore (aunque parece que en su nueva producción se ha despachado a gusto) y generosas escenas softcore.
Dudo de que la última incursión en la dirección del bizarro realizador se llegue a estrenar en España (festivales aparte), así que intentaré hacerme con ella por la vía que todos sabemos.
Temblad niños, porqué José del Ataud ha vuelto para atormentaros en vuestras peores pesadillas.

DIVERSIÓN INFERNAL.

Aunque con retraso, por fin he podido ver el regreso a la pantalla grande del demonio fumapuros más famoso de la historieta. En esta ocasión la creación de Mike Mignola parece fundirse con el particular universo de Guillermo del Toro, conectando de alguna manera con la última y laureada película del director mexicano. Porqué si en la primera parte se tomaba como base el origen del personaje en los cómics, horror cósmico lovecraftiano incluido, en esta continuación de las andanzas del diablo rojo se aprecia ya una división clara entre el personaje de las películas y el de su versión impresa. En palabras de su propio creador, el Hellboy del cine es el Hellboy de del Toro.
En esta nueva aventura se ha consolidado la tempestuosa relación del protagonista con Liz Sherman (una de las claras aportaciones del director que no aparece en los tebeos), introduciéndose nuevos secundarios (el hectoplasma Johann) y un enemigo a batir que, en este caso, parece despertarnos más simpatías que rechazo. De nuevo, el grupo de extrañas criaturas que conforman la A.I.D.P. unirán fuerzas contra una amenaza apocalíptica. Y la constante reivindicación de lo diferente, que parece ser el leit-motiv sobre el que gira toda la trama, nos planteará dudas a lo largo de todo el metraje sobre lo correcto de ponerse del lado de los humanos y en contra del supuesto malo, un príncipe elfo que quiere romper la tregua con el hombre resucitando el mortífero "Ejercito Dorado". Aquí es donde, como hacía referencia con anterioridad, el director de "Cronos" parece empezar a marcar las diferencias respecto al cómic. Todo ese mundo mítico, hijo de una Naturaleza primigenia y pagana, lleno de criaturas procedentes del folklore, es en realidad el protagonista del film (impagable la visita al mercado "Troll"). Un mundo que conecta precisamente con esa peculiaridad que constituye en sí mismo el socarrón diablo, y donde él y sus amigos pueden pasar desapercibidos porqué lo extraño forma parte de lo cotidiano. Rodada con un preciso ritmo narrativo que pierde un poco de fuelle en la parte central, quizás el único fallo que pueda achacársele a la cinta sea un final demasiado difuminado y poco resolutivo con la historia.
Es "Hellboy II. El Ejército Dorado " pues, otra vuelta de tuerca a los conceptos que tan gratos son a Guillermo del Toro, y donde parece haber conseguido integrar (eso sí, con más presupuesto que en la anterior entrega) sus particulares obsesiones en una película de Estudio, sin renunciar en ningún momento a su independencia.
Una estupenda demostración de que se puede hacer cine de palomitas sin menospreciar la inteligencia del espectador lo cual, dada la alarmante falta de ideas de la industria, no es moco de pavo.

FALLECE NEIL HEFTI.

El compositor y trompetista, creador de la mítica intro de la serie de Batman protagonizada por Adam West, moría ayer a los 85 años.
Nos deja este auténtico himno pop instrumental para la posteridad.

COMO EL PISUERGA.

Aquí estoy again, llegando a las mil visitas (madre mía, espero que no sean todas mías) y después de dos semanas sin postear por culpa de traslados, resfriados y gripes varias (la edad no perdona). Espero prodigarme un poco más a partir de ahora. Palabrita de niño Jesús.

Y otro año más sin ir al festival de Sitges.

LUCES Y SOMBRAS SOBRE EL HOMBRE MURCIÉLAGO (I).

El estreno de "El Caballero Oscuro", estupenda (y superior) secuela de "Batman Begins", me ha llevado a reflexionar sobre por qué el personaje de Bob Kane es para mí, probablemente, el superhéroe (¿o habría que decir vigilante enmascarado?) más interesante de un subgénero en el que parece que todo está explicado y/o reinventado. Christopher Nolan ha hilado con habilidad parte de las tramas de la magnífica "La Broma Asesina" (Alan Moore-Brian Bolland) y la interesante "El Largo Halloween" (Jeff Loeb-Tim Sale), utilizando como eje vertebrador de las mismas el tema de la dualidad y el concepto de héroe.

(A la izquierda) primer boceto de Batman por Bob Kane.

Pero alejándonos del film y yendo a su versión original, es decir la de los tebeos, deberíamos señalar en primer lugar que, al igual que algunos de sus referentes de origen pulp ("La Sombra" de Walter B. Gibson sería un buen ejemplo), ese concepto de dualidad, cuyo punto de partida es la propia escisión del héroe en dos desde el momento en que decide tener una identidad secreta y una pública, es el eje sobre el cual gira permanentemente la esencia del Hombre Murciélago. Ese concepto tan básico derivará, en su inevitable proceso de evolución, hacia dilemas de mayor calado ético o filosófico. La clásica y manida contraposición El Bien-La Luz vs. El Mal-La Oscuridad, con origen en las religiones monoteístas mayoritarias (cuyos orígenes tienen una base mística y mítica común), ya parecía quedarse corta en la idea original de Kane. Visualmente inspirado en "El Zorro", el origen de Batman ya partía de una idea claramente rompedora en aquellos ingénuos primeros tiempos del comic-book: el hecho de ser un héroe nacido a partir de un claro sentimiento de venganza (por supuesto hablamos del asesinato de sus padres). Y si bien es cierto que con el tiempo el personaje fue perdiendo ese tono oscuro a favor de tratamientos claramente más infantiles y maniqueos (la incorporación de Robin aceleró ese proceso), también lo es que a partir de los años 70 los nuevos aires contraculturales y el aliento renovador de artistas como Neal Adams terminarían de redimensionar la personalidad del cruzado enmascarado.
No olvidemos que son precisamente la vulnerabilidad y la humanidad los dos factores que hacen diferente a Batman de otros superhéroes. Esa absoluta carencia de habilidades o poderes especiales y la conciencia que el mismo personaje tiene de esa condición lo convierten en terreno abonado para introducir historias de marcado carácter psicológico. Y la búsqueda de esos dobleces, de esas aristas en la personalidad de un hombre que está voluntariamente condenado a ser el protector de una ciudad asolada por el crimen y la locura, será precisamente el factor que desencadene en la siguiente década (los prolíficos 80) la aparición de guionistas y dibujantes que den un sesgo mucho más adulto a las ficciones protagonizadas por el multimillonario Bruce Wayne y su eterno alter ego, convirtiéndolo así en uno de los iconos populares (junto con Superman, su vecino en DC Comics) con más presencia en los medios de comunicación de masas.

(Continuará...)

LA VIDA ES, A VECES, UN PEDAZO DE MIERDA...

... Pero que muy grande.

LUTO EN EL CINE ESPAÑOL.

Afortunadamente no posteaba sobre muertos hace tiempo, pero éste es obligatorio. Pedro Masó ha fallecido a los 81 años dejando tras de si una carrera y una vida dedicada al 100% al cine. Productor, director, guionista, ... Seguramente me dejo algo en el tintero. La televisión también tiene que agradecerle la creación de varias series que ya son historia del medio.

Menospreciado durante toda su carrera por académicos (en 2006 se le concedió el goya honorífico a toda su carrera) y críticos, del guionista de la genial "Atraco a las tres" me quedo con este frase: "Hoy todo se intelectualiza y así se escapa la naturalidad, cuando la vida es lo cotidiano sin más. Viven de espaldas al público, no les preocupa ofrecer algo que agarre al espectador".
No somos nadie.

CULTURA CON MAYÚSCULAS.

Seguimos con intelectuales. Esta mañana leía en el blog de Álvaro Pons un post comentando que "Revista de Occidente" (si, esa "Revista de Occidente") publica una artículo de Marcello Serra en su número de septiembre sobre el Batman de Frank Miller. La repanocha. A ver si va ser verdad que las mentes pensantes de este país se empiezan a creer que, después de cien años, el tebeo es ya un medio adulto.

La verdad es que la retahila de adaptaciones al cine no está ayudando mucho, sino más bien al contrario (véase "Wanted"). Por cierto, a ver si alguien le explica a Frank que haría mejor en dedicarse a lo suyo y dejar lo del cine para el que sepa (menudo aspecto horroroso tiene su adaptación de "The Spirit" de Eisner). En fin, seguro que cuando todo Dios lea cómics écharemos de menos los buenos y frikis viejos tiempos. Espíritu de contradicción que tenemos, oyes.

CINE PARA MENTES INTELECTUALMENTE SUPERIORES.

"Tiro en la cabeza". Si señor, que aprenda la gente a hacer un buen trailer.

El rey de los gafapastas ataca de nuevo. ¿Experimento visual? ¿Videoarte? ¿Tomadura de pelo supina? Amigo Jaime, después de ver "La Soledad" me prometí a mí mismo que nunca jamás volvería a despotricar de Kiarostami.

Tengo sueño...

MÁS VERANO PSICOTRÓNICO.

Continúo mi repaso a las cosas que he videado en mis vacas con dos películas inclasificables:

La primera es "Oro Maldito", un eurowestern del año 67 coproducido entre España e Italia, dirigido por el singular Giulio Questi ("La muerte ha puesto un huevo"). Una historia de venganzas, balas de oro y resurrecciones, aderezada con varias escenas absolutamente brutales. Puestos a definiciones absurdas, se podría describir como un híbrido entre Linch, Craven y Leone. Ah!, también salen cow-boys gays.

Escena hard: el maloso muriendo abrasado por el oro derretido.

Que me quemorllll!!

Y para redondear el post un clásico de las cutre-artes-marciales, nada más y nada menos que la mítica "El luchador manco", dirigida y protagonizada por Yu Wang (él se lo guisa y él se lo come). En la típica de escuelas enfrentadas, el prota pierde una mano (en una escena igual de delirante que las restantes de la película) y un anciano maestro le enseña una técnica que lo convierte en una máquina de luchar. Atención a los rivales contratados por el malvado enemigo de nuestro héroe: un fakir hindú que hace el pino, un japonés con colmillos, unos monjes tibetanos que se hinflan, dos muai-thais más feos que picio y un bestia (a secas).

Escena inenarrable: el bueno caminando con tan sólo dos dedos boca abajo y a cámara rápida.







Y esta es la mano güena.







¡VIVA EL CINE DE DERRIBO!

LOS CONSEJOS DE MARLO.

Hay que decirlo más.



¿QUÉ PASA? Hoy no tenía ganas de escribir.

RENDERIZADOS ZEMECKIS S.A.

Anda el cine de animación revuelto con esto del 3D o CGI, en un momento en que las dos dimensiones parecen haber pasado a mejor vida (el anime japonés va por libre). Lo digo porqué el otro día estuve viendo "Beowulf" y al terminarla me quedé con una extraña sensación. Me explico. Al señor Robert Zemeckis, que me parece un director con oficio (me encanta la saga de "Regreso al Futuro"), le ha dado ahora por experimentar con el cine de ¿dibujos animados? Con franqueza, no se si es la denominación adecuada para sus últimas aventuras cinematográficas.
En la familiar "Polar Express", ya puso un piedrecita con el protagonismo de un Tom Hanks disimulado bajo las mallas de un programa informático. La susudicha no era nada del otro mundo pero el director de "¿Quien engañó a Roger Rabitt?" se quedó con el gusanillo, así que en su siguiente proyecto decidió que iba a echar el resto y en su, hasta ahora, último film ha capturado los movimientos de un montón de actores conocidos, los ha transformado en criaturas animadas y ha concebido una historia épica de aspecto fotorrealista. El resultado, que ya había tenido precedentes como "Final Fantasy" pero con menos pretensiones, no puede por menos que considerarse, como decía antes, raro . Porqué al margen de la historia, basada en un poema épico anónimo anglosajón (que no he leído), que narra con la solvencia justa una historia de héroes y monstruos que ha servido de base a diferentes novelas de fantasía heroica (y un par de películas del mismo título con actores), cabe preguntarse la necesidad de un formato que pretende calcar la realidad como fin en sí mismo.
Creo sinceramente que los adelantos técnicos que empresas como Pixar o Dreamworks vienen realizando en el campo de la animación deben estar al servicio de una historia y no al contrario. La película que nos ocupa parece no tener en cuenta esta premisa y se limita a intentar enseñarnos lo bien que quedan los juegos de luces y las texturas, o la naturalidad de los movimientos de unos personajes que para colmo, en ocasiones, parecen de cartón-piedra.
Un despropósito de presupuesto desmesurado en definitiva, que se queda a mitad de camino de todo y que no funciona ni como el experimento que pretende ser ni como film de aventuras al uso, con el agravante de que además desdibuja absolutamente las interpretaciones en las pocas escenas dramáticas que contiene.
Menos mal que por lo menos su visionado me ha resultado "virtualmente" gratis.

BYE BYE ISAAC HAYES.

El pasado 10 de agosto fallecía el creador de grandes clásicos de la música negra de los 70 como "Soul Man" o "I had a dream", aunque siempre se le asociará con el sonido de un subgénero cinematográfico, la "Blaxplotation". Precisamente fue por la película fundacional de dicho subgénero, "Shaft", por la que obtuvo el óscar a la mejor canción en 1971. D.E.P.

PORNOGRAFÍA VS. ARTE.

Leo en el diario "Levante" que van a pasar en la "Filmoteca d´Estiu" la película "Querelle", del director alemán R.W. Fassbinder. Lo curioso, según el artículo, es que este film se estrenó en Valencia (que es la ciudad donde vivo por si hay algún despistado) en una sala X. A continuación hace referencia a que el resto de grandes obras de Fassbinder se presentaron en su día en salas de Arte y Ensayo, incluso con cierto éxito de público. Conclusión: ¿se restringió "Querelle" al circuito marginal de las salas para pajilleros por su alto contenido sexual (homosexual para más señas)? Probablemente. Y he aquí la cuestión que genera el debate.
Parece que cualquier representación explícita (o semiexplícita) de las relaciones sexuales conlleva inmediatamente la reacción negativa de crítica y público. De este modo, aquellos artistas cuyas manifestaciones incluyen dichos elementos, provocan en general airadas reacciones en contra.Pero no por su calidad como creadores, sino por atreverse a enseñarnos algo tan esencial en el comportamiento humano como es el sexo. Evidentemente, no toda la pornografía es Arte, pero el prejuzgar con la despectiva expresión "ésto es pornografía", aunque sea la respuesta más fácil, quizás sea también la menos reflexiva. Y es que si las obras de artistas como Koons o Mapplethorpe (donde la genitalidad está presente) aún provocan comentarios despectivos, eso significa que aún hay un largo camino por recorrer.
Que en este país llevamos 40 años de retraso respecto al resto de Europa es un hecho en el que parece que todos estamos de acuerdo. Pero que después de 30 de democracia aún arrastremos traumas de la educación nacional-católica no parece tan claro. Y no es por quitar responsabilidad a la conservadora influencia que sigue ejerciendo la Iglesia oficial en todos los ámbitos, pero ya va siendo hora de que el personal (y ya me estoy refiriendo a los que se dedican profesionalmente a descalificar el esfuerzo de mucha gente) abra los ojos de una vez y vea. Porqué quizás estén todos equivocados, y puede que "El diablo en Miss Jones" sea tan respetable en tanto obra de Arte que "Ciudadano Kane", pero además con la ventaja de que su visionado puede ayudarnos en la liberadora tarea de provocarnos un buen orgasmo.
En este orden de cosas, y a mi entender, hay que caminar con paso lento pero firme hacia la desmitificación y la normalización. Es decir, que la imagen sexual deje de ser transgresión y pueda pasar a convertirse per se en objeto de belleza. Ese paso previo sería el preludio, sin duda, a la necesaria y progresiva extirpación de nuestro inconsciente colectivo de ese nefasto y castrador concepto judeocristiano llamado pecado.
Hay, sin embargo, otra rama del árbol llamado pornografía que también provoca controversia: La violencia. Asociada indisolublemente al mismo concepto, es públicamente aceptada de modo mayoritario por todos los medios, pero en especial por los audiovisuales (cine y televisión). Paradojicamente, y al contrario que el sexo, su significado último tiene más que ver con el fin de nuestras vidas que con el principio (aunque al fin y a la postre Eros y Tánatos forman parte del mismo ciclo natural). El hecho de que su representación pueda ser considerada Arte o no ya sería tema para otro post.

VERANO PSICOTRÓNICO.

Definitivamente de vuelta a la rutina y a los madrugones (hay que ganarse el pan). Y el veranito me ha cundido cinefágicamente hablando. Pelis de artes marciales, explotations italianas de zombies o robotitos entrañables animados han ayudado a sobrellevar los calores estivales (y algún que otro chapuzón, por supuesto). De "Wall-E" ya hablé en mi post anterior, así que no voy a repetirme. Sin embargo, no me resisto a comentar algunas delicias setenteras que nunca nombrarían en "Cahiers du Cinema".

La primera perla es una descarada copia de los muertos vivientes de Romero (de hecho uno de sus títulos fue "Zombi 2"), perpetrada en 1979 por el genio del spaghetti-mal rollo, Don Lucio Fulci. Estrenada en nuestras salas como "Nueva York bajo el terror de los zombies", la verdad es que de la ciudad de los rascacielos se ve bien poco, pues la acción transcurre casi exclusivamente en una isla del Caribe. Buenos efectos especiales, en la línea de todos los films del creador de "El Más Allá", con unos zombies de origen Woodoo que harán las delicias de los aficionados a los higadillos. Buen ritmo, actuaciones aceptables y atmósferas malsanas con buenas dosis de gore. Una auténtica gozada para ver, preferentemente, bajo los efectos de algún psicotrópico.

Escena bizarra: el combate bajo el agua entre un tiburón y un zombi.





Uiiisss!

Continuamos con una chulada de la factoría "Shaw Brothers". El clásico "Heroes of the Est" se tradujo aquí con el impagable título de "El paraíso del Kung-Fu-shaolin contra ninja" (y a mí que me recuerda al nombre de una pollería). Dirigida por Chia-Liang Liu, un habitual en las producciones Shaw, la película nos ofrece un catálogo de coreografías cuyo mayor aliciente, aparte de las habilidades de su protagonista Gordon Liu, es el enfrentamiento a causa de un malentendido, entre las diferentes artes marciales chinas y japonesas (y anda que no hay). Imprescindible para los aficionados al género.
Escena cachonda: el prota intentando aprender la técnica del mono borracho sobre la marcha.




Sígueme si puedes. Hip!




Hala. Otro día cuento algo sobre la colección pelis de Sonny Chiba (que "cool" que es el jodío. No me extraña que Tarantino esté flipado con este japo con cara de mala leche) que me estoy metiendo entre pecho y espalda, porqué no tiene desperdicio.

EL FUTURO DE PIXAR.

Parece que fue ayer cuando Pixar, la apuesta de Disney por la animación en 3D, nos sorprendía a todos con esa joya en forma de juguete llamada "Toy Story" y nos empezaba a mostrar las posibilidades técnicas y artísticas de los programas de animación por ordenador. Más de una década después, la compañía de John Lassiter, ya convertida en productora con entidad propia, no sólo sigue a la cabeza en la innovación y perfeccionamiento de esta técnica, sino que ha convertido por primera vez el cine de dibujos animados (con permiso de Miyazaki) en algo más que entretenimiento para niños.
Porqué con "Wall-E", Andrew Stanton nos muestra que se puede hacer cine con mayúsculas sin personajes reales. Es más, sin personajes reales ni humanos. Y si "Los Increibles" o la maravillosa "Ratatouille" parecían escollos insalvables en el creciente nivel de complejidad y calidad argumental de la compañía, la historia de amor del pequeño robot basurero significa otro salto al vacío en su nivel de creatividad. Ésto es cine adulto disfrazado de blockbuster, es cine que hace reflexionar, emocionarse y salir de la sala con una sonrisa de oreja a oreja. Es cine mudo (¡que primeros 35 minutos!), ciencia ficción, comedia. Y es cine político (no me extraña que los conservadores yanquis se hayan echado las manos a la cabeza) de altos vuelos. Cierto que la segunda parte de la historia pierde un poco de fuelle (curiosamente a partir del momento en que aparecen personas en la trama) pero desde luego deja el listón muy alto, no sólo para productos similares de la competencia (Dreamworks) sino para el medio cinematográfico en general.
Id a verla como debe ser, a una sala de cine y disfrutad, si los niños de la fila de al lado os lo permiten, del "cine del futuro".

Por cierto, las vacaciones bien, gracias.

JÓVENES OCCIDENTALES.

Visto en "Con C de Arte". Y me va "quenipintado" con el post anterior. Que videoclip, que canción, que todo.

EXPÉRIENCE: DES HÉROS (spanish subs)

YA SE QUE SON MEDIOS DIFERENTES, PERO...

Madre mía, madre mía, madre mía. Que San Alan Moore nos coja confesados. Y es que ante ésto de aquí abajo no sé si reir, llorar, ambas cosas al tiempo... Porqué a mí "300" me dejó un tanto frío, la verdad. Pero "Watchmen", ésteeeee... Que no es lo mismo. Que aquí no se trata sólo de batallitas, poses de tíos cachas a cámara lenta y un poco de te copio los colores señor Frank Miller. En fin, no seamos alarmistas y démosle un voto de confianza al osado Zack Snyder (recordemos que suya es esa joyita-remake del cine de zombies que es "Amanecer de los muertos") porqué hay que tener muchos huevos para enfrentarse a una adaptación como ésta y conseguir que los fans no te linchen. Pongámosle una vela al patrón de los imposibles y rezemos hermanos. Por cierto, un rayo de esperanza aunque bordee lo chorra: por lo menos parece que el Dr. Manhattan no lleva bañador. Ji.
Menudo post lleno de puntos suspensivos me ha salido. Pues no sé porqué.

Aysss!!, tengo miedo, mucho miedo... (Y dale).

RELEYENDO A LOS CLÁSICOS.

El mercado del tebeo en España se ha convertido, para bien o para mal, en una jungla de editoriales pugnando entre ellas para conseguir un pedacito de tarta que echarse a la boca. Y algunas de las grandes (aunque alguna independiente también se atreve, tal es el caso de Manuel Caldas con su maravillosa edición del "Príncipe Valiente"), como es el caso de Glénat, están optando por la reedición e introducción de clásicos como forma de atraer a nostálgicos o aficionados completistas. Sea como fuere, esta nueva política nos está permitiendo disfrutar de obras a las que de otro modo nos sería imposible acceder por descatalogadas o simplemente inencontrables.
Y todo este rollo introductorio no es sino una forma como otra de reivindicar la lectura de "Haxtur", obra maestra indiscutible de la historieta española que su autor Victor de la Fuente dibujó allá por el año 71. Considerada durante años como un manifiesto político a raíz de una entrevista publicada en la revista "Triunfo", el paso del tiempo y posteriores estudios en profundidad han demostrado que sus intenciones iban más allá de una mera interpretación contextualizada en el tardofranquismo.
La presentación del personaje que da nombre al protagonista, al que por cierto no se menciona como tal en ningún momento, ya nos da una pista del talante onírico y reflexivo que va a guiar toda la aventura. Un hombre de aspecto enjuto vestido de militar (o guerrillero) se pregunta al borde de la muerte el POR QUÉ de todo lo que le está sucediendo. A partir de ahí, lo que en principio estaba concebido como una narración de ciencia ficción por entregas, se escora hacía el género de "Espada y Brujería" en un tour de force de planificación absolutamente vanguardista para la época. La viñetas horizontales se estiran y se encogen y crean, junto con los espacios en blanco, significativos tiempos muertos que se ven reforzados por la frecuente ausencia de textos, ralentizando así el ritmo frenético de la narración (no en vano la publicación por entregas propia de una revista le exigía al autor ese tipo de escritura).
Con todos estos recursos y un dominio, ya por aquel entonces, extraordinario de la figura humana en movimiento, De la Fuente construye la peripecia de este desgraciado antihéroe. De batalla en batalla y de monstruo en monstruo, sus acciones serán manipuladas para su provecho (casi siempre poco honorable) por cuantos seres y situaciones extrañas aparezcan a su paso, en medio de un paisaje entre selvático y alucinógeno. Y al final, la eterna pregunta sin respuesta como leit motiv, ese ¿POR QUÉ? que es la llave que abre y cierra esta historia repleta de simbolismos y metafísica, de miedos y dolor. Cargada, en definitiva, de Arte en estado puro.

JOYITAS ANIMADAS.

A la espera (ansiosa) de la que dicen será probablemente la última producción del gran Hayao Miyazaki, "Ponyo on a cliff by the sea" (su refrescante trailer ya lo podéis videar en la web amiga "Las horas perdidas"), os youtubeo esta auténtica maravilla en forma de corto titulada "On your mark-Chage & Aska". Simplemente alucinante.

... Y EL MUSICAL TAMBIÉN.

La maravillosa Cyd Charisse, ayer, a los 86 años. Mierda.

Unas piernas inolvidables en "Cantando bajo la lluvia".

TERMINATOR SE QUEDA HUÉRFANO.

El pasado lunes fallecía de cáncer el creador y supervisor de efectos especiales Stan Winston. Considerado por la industria como uno de los más grandes en su campo, ha sido el padre de algunos de los personajes y criaturas del imaginario fantástico más populares del final del siglo XX. Ganador de 3 Oscars, sus trabajos con Spielberg, Cameron o Burton lo convirtieron en el más digno sucesor del gran Ray Harryhausen, y deja un legado imperecedero en la historia del cine.
Adiós maestro.

MIS NEURAS EN "MUCHACHADA".

Arrabal, Jodorowsky, Dragó... Joer, todas mis paranoias juntas en un sketch. Si es que parece que estos mostrencos me leen la mente. ¡Ay! que me peto.

UNA COSA ES UNA COSA Y OTRA COSA ES OTRA COSA.

Se que que ya está casi todo dicho, pero resulta bastante clarificador (vía "Con C de Arte"):

"Hay un problema en el modo en que mucha gente habla sobre cómics: es muy duro hablar de ellos como cómics. Westerns, novela romántica decimonónica, cine negro: esos son géneros. Tipos de relatos con categorías específicas de temas y convenciones en su contenido y en su presentación (las historias sobre superhéroes también son un género). Narrativa en prosa, escultura, video: eso, igual que los cómics, son medios. Formas de expresión que tienen pocas reglas o ninguna respecto a su contenido, más que las más inequívocas impuestas por su propia forma.

Sin embargo, hay una razón para cometer ese error. Hasta hace unos veinte años, el modo en que casi todo el mundo veía al medio estaba íntimamente unido a un puñado de géneros. Eso es lo que hacía dinero para las grandes compañías de cómics-pulp: superhéroes, en su mayoría, pero a veces cómics de horror, románticos, de ciencia-ficción o de crímenes, cada cual con sus códigos familiares y sus fórmulas.

(…) Otro error común es afirmar que los cómics intelectuales, de algún modo, no son realmente cómics sino algo diferente (preferentemente con un nombre más lujoso, como abordaremos en el capítulo 3). Diferentes no sólo en la raza sino también en la especie de sus homónimos de la cultura de masas. Hay cierta conciencia de clase con la nariz-en-alto inherente en este argumento; es evidente, por ejemplo, en una reseña de Gloria Emerson en el número de The Nation del 16 de junio de 2003:: “Nunca he tenido el hábito de leer cómics”, escribía, “así que, al principio, estaba ligeramente sorprendida por Persépolis, de Marjane Satrapi. Pero es una artista de tanto talento y sus dibujos en blanco y negro son tan cautivadores, que parece erróneo llamar cómic a sus memorias. Más bien es una ‘memoria gráfica’ en la tradición de Maus, la brillante historia sobre el Holocausto de Art Spiegelman”. Si no ves qué hay de erróneo en el pasaje, imagínate comenzando: “Nunca he tenido el hábito de ver películas…”, y terminando con la afirmación de que, digamos, Syriana no es realmente una película sino una “narrativa cinemática” en la tradición de Salvar al soldado Ryan.

La confusión género/medio es un error de ignorancia, mientras que la táctica si-es-profundo-en-realidad-no-es-cómic se trata simplemente de un caso de esnobismo (en el sentido de querer establecer una distinción entre el gusto de uno y el gusto de la masa). Pero el mayor error arraigado en el lenguaje para escribir sobre cómics es tratarlos particularmente como si fueran extraños, o fallidos, ejemplos de otros medios. Los buenos cómics son descritos a veces como “cinemáticos” (si tienen algún tipo de amplio scope visual o imitan un tipo conocido de película) o “novelísticos” (si contienen detalles comentados agudamente, o simplemente lleva un buen rato leerlos). Esas pueden ser palabras descriptivas cuando se aplican a los tebeos. Es casi un insulto, sin embargo, usarlas como cumplidos. Usarlas como elogio implica que los cómics aspiran como forma (más o menos sin éxito) a ser películas o novelas. "

Extraido del primer capítulo del ensayo crítico de Douglas Wolk "READING COMICS: HOW GRAPHIC NOVELS WORK AND WHAT THEY MEAN".

Y AHORA...MEL FERRER.

Un año aciago para el Séptimo Arte.

LA GUERRA DE MAX FRIDMAN.

Presentado en el último Saló de Barcelona, el retorno del mejor Vittorio Giardino a las estanterías de las tiendas no podía ser de otra manera que con la vuelta de su personaje más conocido. Y que publique Giardino es ya de por sí un acontecimiento, dadas las dificultades que este diseñador industrial metido a dibujante de tebeos encuentra para publicar sus elaborados trabajos.

La conclusión de la última aventura del espía y aventurero de los servicios secretos suizos es, probablemente junto con su obra más laureada "Jonas Fink", su trabajo más personal. No en vano, las correrías de Fridman en busca de su amigo desaparecido, por una España cubierta por el velo de sangre de una guerra fratizida, han tardado en completarse la friolera de 10 años.

Prodigio de documentación y de trazo limpio y preciosista (con los años Giardino ha ido depurando su estilo de corte realista y línea clarísima hasta convertir sus viñetas en pequeños cuadros), su visión del conflicto a través de los ojos de un extranjero (un exbrigadista internacional desencantado) se aproxima más al análisis crítico de "Tierra y Libertad" de Loach que al romanticismo de cartón-piedra de Hemingway. Y en la primorosa edición que Norma ha hecho del tercer álbum de "¡No pasarán!" (elocuentemente subtitulado "sin ilusión"), al igual que en los dos precedentes, se nos regala un prólogo a modo de resumen e introducción que nos pone en antecedentes (es recomendable, no obstante, releer de golpe los tres volúmenes), preparándonos para un final no por previsible menos amargo. El personaje, que ha evolucionado a lo largo de sus muchos años de aventuras hacia el excepticismo, parece completar un ciclo con este periplo en busca de su pasado. De este modo, y en el tramo final de una de las últimas guerras románticas del Occidente europeo (pocos tiempo después, la 2ª Guerra Mundial vendría a multiplicar por diez el concepto de guerra justa), las peripecias e intrigas políticas acabarán por pasar factura física y moral al ya ajado protagonista, dejándonos la sensación de que, a pesar de que algunos de las misteriosas lagunas en su historia se han resuelto, su vida como aventurero, espía y trotamundos toca a su fin. Y ese regusto amargo que nos queda al terminar toda buena historia, no puede hacernos olvidar en ningún momento la sensación de que la espera ha merecido la pena.

ADIÓS AL ÁNGEL DE BARBARELLA.

Ha fallecido a la edad de 70 años el actor John Pillip-Law. Destacado actor de un buen número de films adscritos al fantastique, será recordado sobre todo por su interpretación de Pygar, el ángel de la "Barbarella" de Vadim. Sus papeles en "El viaje fantástico de Simbad", "Diabolik" o "El barón rojo", entre otras, le convirtieron en cult-actor a ojos de los aficionados al cine de género. Los últimos años de su vida los pasó deambulando entre films de serie B y Z, siendo su último personaje con cierta repercusión el Tarzán que protagonizó junto a Bo Dereck, en la anodina adaptación que dirigió John Dereck en 1981.

Buen viaje.

ALAN MOORE Y EL SEXO.

Terminadita de leer, y calentita aún en mi memoria, la primera entrega de lo último del guionista más barbudo del mundo del cómic. No suelo hacer posts sobre obras incompletas, pero con Lost Girls no he podido resistirme y voy a hacer una excepción. Y es que este señor, acompañado en esta ocasión con la que ahora es su esposa al dibujo (una inspiradísima Melinda Gebbie), ha vuelto a conseguir dar una vuelta de tuerca al enésimo género al que se enfrenta. Y mira que, en esta ocasión, estamos hablando de pornografía. Sí, nada de erotismo ni de sexo sugerido. Pura pornografía con sus pollas, sus coños y sus fluidos.
En este orden de cosas, coges a tres personajes esenciales de la historia de la literatura infantil, subviertes su esencia convirtiéndolos en símbolos de las tres edades (juventud, madurez y vejez) en su camino de autodescubrimiento sexual, y, a través del relato de sus sueños y experiencias merced al nexo de unión entre la fantasía y el placer como elementos liberadores, los conviertes en protagonistas de una historia que muchos tacharían de "mierda pedófila". Bueno, es una interpretación bastante plana del asunto, considerando que Internet está lleno de sexo ilícito gratis y real. Sólo tienes que hurgar un poco en las múltiples capas de este primer tomo para descubrir que estás ante una auténtica obra de arte de una complejidad tal que, al igual que ocurría con obras como "Watchmen" o "From Hell", necesita de varias lecturas para descubrir el nivel de detalle que la convierte en literatura (que me perdonen los puristas) de alto nivel.
En cuanto al apartado gráfico, está a la altura de las expectativas. El dibujo minucioso, de estilo cercano al realismo de Melinda Gebbie, se adapta perfectamente a las intenciones y la exigencia del escritor de Northampton. Cada viñeta, cada página, incluso cada capítulo, se puede observar como unidad independiente o como un todo según convenga a la exhaustiva planificación de Moore (10 años dan para ser bastante exhaustivo), pero siempre teniendo en cuenta que al final forman parte de una entidad unitaria llamada historia.
Espero pues con impaciencia la conclusión de estas "chicas perdidas", que mucho me temo, hagan que el señor Alan Moore vuelva, de nuevo, a sentar cátedra dentro del mundillo del 9º Arte. Mientras tanto, me contentaré con soñar con las lascivas aventuras de Alicia, Wendy y Dorothy.

CRÉDITOS MAÑANEROS.

He vuelto. Sí, la verdad es que ando un poco liado ultimamente y, es por ello, que tengo un poco abandonado mi "caro diario". En fins, que después del rollete cultureta de mi último post, pues ahí va uno de los motivos por los que estoy enganchado a la que, probablemente, sea una de las mejores series norteamericanas actualmente en emisión. Ésto son unos títulos de crédito y lo demás son tonterías (claro, que si uno no ha visto la serie, se pierde la mitad del sentido).

A SUS ETÉREAS DEIDADES.

Vibran en el Aire alas de piedra,
confusas gárgolas que en su seno anidan
a hijos de un dolor eterno llenos.

Arden en el Mar fuegos sin luz,
que espurios dioses en su fondo anhelan
transidos de amor y en horror envueltos.

Vuelan bajo Tierra estúpidos diablos
y en su ciega búsqueda de calor y Gloria,
buscan en sí mismos lo extraño y lo abyecto.

Ilícitos afanes esperan sin dueño,
pues vástagos oscuros sueñan ser
Aire, Agua,Tierra y Fuego, al tiempo.


A Mariló.

¡MUERE "EL ÚLTIMO HOMBRE VIVO"!

Otra vieja gloria que se va. Al margen de sus ideas políticas, merece un recordatorio aunque sólo sea por haber protagonizado lo de arriba...

¡JODER, VAYA INICIO DE AÑO!

Una estrella menos en el firmamento. Bye.

¡ESPAÑA ANTES ERA MÁS MEJOR...!

Youtubeando por ahí me he encontrado "la película de artes marciales definitiva":

LA HOSTIA. Impagables esos yonquis. Y que título, "Veredicto Implacable". Definitivamente voy a colocar a Mariano Ozores (of course, director de éllo) en mi altar de genios del cine español. Por cierto, el "flin" es inencontrable.

Hablando de genios, descanse en paz Rafael Azcona.

"LA MÁS ANTÍGUA EMOCIÓN DE LA HUMANIDAD ES EL MIEDO" (H.P.LOVECRAFT).